Ritratto di giovane donna. Di Rogier van der Weyden
Ritratto di giovane donna è un piccolo dipinto a olio su tavola di quercia creato intorno al 1460 dal pittore olandese Rogier van der Weyden. La composizione è costruita dalle forme geometriche che formano le linee del velo, della scollatura, del viso e delle braccia della donna e dalla caduta della luce che ne illumina il viso e il copricapo. I vividi contrasti di oscurità e luce esaltano la bellezza quasi innaturale e l’eleganza gotica del modello.
Van der Weyden era attento alla ritrattistica su commissione verso la fine della sua vita ed era molto apprezzato dalle successive generazioni di pittori per le sue penetranti evocazioni di carattere. In quest’opera, l’umiltà e il contegno riservato della donna sono trasmessi attraverso il suo fisico fragile, gli occhi bassi e le dita strette. È snella e raffigurata secondo l’ideale gotico dei lineamenti allungati, indicati dalle spalle strette, dai capelli strettamente raccolti, dalla fronte alta e dall’elaborata cornice impostata dal copricapo. È l’unico ritratto conosciuto di una donna accettato come opera autografa da van der Weyden.
Sebbene van der Weyden non aderisse alle convenzioni dell’idealizzazione, generalmente cercava di raffigurare i suoi modelli in abiti molto alla moda, spesso con tratti del viso arrotondati, quasi scolpiti, alcuni dei quali si discostavano dalla rappresentazione naturale. Ha adattato la propria estetica e i suoi ritratti di donne spesso hanno una sorprendente somiglianza tra loro.
Il dipinto è stato nella National Gallery of Art di Washington, DC sin dalla sua donazione nel 1937, ed è il n. 34 nel catalogo ragionato dell’artista.
La composizione del ritratto
La donna, che è probabilmente nella tarda adolescenza o all’inizio dei vent’anni, è rappresentata a mezzo busto e di profilo di tre quarti, su uno sfondo interno bidimensionale di un profondo blu-verde. Lo sfondo è piatto e manca dell’attenzione ai dettagli comune nelle opere devozionali di van der Weyden. Come il suo contemporaneo Jan van Eyck quando lavorava nella ritrattistica, usava piani scuri per focalizzare l’attenzione sul soggetto. Fu solo Hans Memling (c. 1435–1494), allievo di van der Weyden, che un artista dei Paesi Bassi pose un ritratto su un esterno o su un paesaggio. In questo lavoro l’ambientazione piatta consente allo spettatore di stabilirsi sul volto della donna e di un tranquillo autocontrollo. Van der Weyden riduce la sua attenzione a quattro caratteristiche fondamentali: il copricapo, l’abito, il viso e le mani della donna. Lo sfondo si è scurito con l’età, è probabile che gli angoli creati dall’hennin e dal vestito della modella fossero un tempo molto più nitidi.
La donna indossa un elegante abito nero scollato con bande scure di pelliccia al collo e al polso. I suoi vestiti sono dello stile borgognone allora di moda, che enfatizza l’estetica alta e magra dell’ideale gotico. Il suo vestito è allacciato da una fascia rosso vivo tirata sotto il seno. Il copricapo hennin color camoscio è drappeggiato con un grande velo trasparente, che si riversa sulle sue spalle, raggiungendo la parte superiore delle braccia. L’attenzione di Van der Weyden alla struttura dell’abbigliamento – l’attento dettaglio degli spilli inseriti nel velo per fissarne la posizione – è tipica dell’artista.
Il velo della donna ha una forma a diamante, bilanciata dal flusso inverso di un gilet leggero indossato sotto il vestito. È mostrata leggermente inclinata, ma la sua posa è centrata dalle ampie linee intrecciate di braccia, décolleté e velo. La testa della donna è delicatamente illuminata, senza lasciare forti contrasti tonali sulla sua pelle. Ha un viso lungo e magro, sopracciglia e palpebre depilate e un’attaccatura dei capelli depilata per creare una fronte alta alla moda. I suoi capelli sono fermamente raccolti sul bordo del berretto e poggiano sopra l’orecchio. Il suo copricapo alto e l’attaccatura dei capelli severa accentuano il suo viso allungato, conferendogli un aspetto scolpito.
L’orecchio sinistro della donna è posizionato, secondo lo storico dell’arte Norbert Schneider, innaturalmente alto e molto indietro, parallelo ai suoi occhi piuttosto che al suo naso; questa posizione è probabilmente un espediente artistico utilizzato per continuare il flusso della linea diagonale dell’ala interna destra del velo. Nel XV secolo i veli erano normalmente indossati per modestia, per nascondere la sensualità della carne. In quest’opera il velo ha l’effetto opposto, il volto della donna è incorniciato dal copricapo per attirare l’attenzione sulla sua bellezza.
Le mani della donna sono strettamente incrociate come in preghiera e posizionate così in basso nel dipinto da sembrare appoggiate sulla cornice. Sono resi strettamente compressi in una piccola area dell’immagine; è probabile che van der Weyden non volesse che risultassero in un’area di tono alto che potesse distrarre dalla descrizione della sua testa.
Le sue dita sottili sono minuziosamente dettagliate, van der Weyden indicava spesso la posizione sociale dei suoi modelli attraverso la resa del volto e delle mani. La manica del suo vestito si estende oltre i suoi polsi. Le sue dita sono piegate a strati; la loro intricata rappresentazione è l’elemento più dettagliato del dipinto, e riecheggia la forma piramidale della parte superiore del dipinto.
I suoi occhi guardano verso il basso con umiltà, in contrasto con i suoi vestiti relativamente stravaganti. La religiosità della sua espressione si ottiene attraverso motivi comuni al lavoro di van der Weyden. I suoi occhi e il suo naso sono allungati e il suo labbro inferiore reso più pieno dall’uso del tono e dalla finitura pronunciata. Alcune linee verticali attorno a questi lineamenti sono enfatizzate, mentre le sue pupille sono ingrandite e le sue sopracciglia leggermente sollevate. Inoltre i contorni del suo viso sono evidenziati in modo leggermente innaturale e astratto, e al di fuori dei consueti vincoli spaziali della rappresentazione umana del XV secolo.
Questa metodologia è stata descritta dallo storico dell’arte Erwin Panofsky: “Rogier si è concentrato su alcune caratteristiche salienti, salienti sia dal punto di vista fisionomicoe il punto di vista psicologico, che esprimeva principalmente con le linee.” La sua fronte alta e la bocca carnosa sono state viste come indicative di una natura allo stesso tempo intellettuale, ascetica e appassionata, simbolo di “un conflitto irrisolto nella sua personalità”. Panofsky fa riferimento a una “eccitabilità fumante”.
La modella è sconosciuta, anche se alcuni storici dell’arte hanno ipotizzato la sua identità. Sulla base della somiglianza dei tratti del viso, lo scrittore Wilhelm Stein suggerì all’inizio del XX secolo che potesse essere Marie de Valengin, la figlia illegittima di Filippo il Buono di Borgogna. Tuttavia, questa è un’affermazione controversa e non ampiamente condivisa.
Poiché le sue mani sono mostrate appoggiate sulla cornice inferiore del dipinto, gli storici dell’arte generalmente accettano che si trattasse di un ritratto indipendente, piuttosto che di un’opera devozionale. È possibile che fosse inteso come ciondolo a un’immagine del marito della donna, tuttavia nessun altro ritratto è stato suggerito come probabile compagno.
