Il Manierismo
Il Manierismo, che può anche essere conosciuto come Tardo Rinascimento, è uno stile nell’arte europea emerso negli ultimi anni dell’Alto Rinascimento italiano intorno al 1520, diffondendosi intorno al 1530 e durando fino alla fine del XVI secolo, quando lo stile barocco lo sostituì in gran parte. Il manierismo settentrionale continuò fino all’inizio del XVII secolo.
Stilisticamente, il Manierismo comprende una varietà di approcci che reagiscono agli ideali armoniosi associati ad artisti come Leonardo da Vinci, Raffaello, Vasari e il primo Michelangelo. Laddove l’arte dell’Alto Rinascimento enfatizza la proporzione, l’equilibrio e la bellezza ideale, il Manierismo esagera tali qualità, risultando spesso in composizioni asimmetriche o innaturalmente eleganti. Questo stile artistico privilegia la tensione e l’instabilità compositiva piuttosto che l’equilibrio e la chiarezza della precedente pittura rinascimentale. Il manierismo nella letteratura e nella musica si distingue per il suo stile molto florido e la raffinatezza intellettuale.
La definizione del Manierismo e delle sue fasi continua ad essere oggetto di dibattito tra gli storici dell’arte. Ad esempio, alcuni studiosi hanno applicato l’etichetta ad alcune prime forme di letteratura moderna (soprattutto poesia) e musica del XVI e XVII secolo. Il termine è anche usato per riferirsi ad alcuni pittori del tardo gotico che lavorarono nel nord Europa dal 1500 al 1530 circa, in particolare i manieristi di Anversa, un gruppo estraneo al movimento italiano. Il manierismo è stato applicato per analogia anche all’età dell’argento della letteratura latina.
Origine e sviluppo
Alla fine dell’Alto Rinascimento, i giovani artisti attraversarono una crisi: sembrava che tutto ciò che si poteva realizzare fosse già realizzato. Non restavano più difficoltà, tecniche o di altro genere, da risolvere. La conoscenza dettagliata dell’anatomia, della luce, della fisionomia e del modo in cui gli esseri umani registrano l’emozione nell’espressione e nel gesto, l’uso innovativo della forma umana nella composizione figurativa, l’uso della sottile gradazione del tono, tutto aveva raggiunto quasi la perfezione. I giovani artisti avevano bisogno di trovare un nuovo obiettivo e cercavano nuovi approcci. A questo punto cominciò ad emergere il Manierismo. Il nuovo stile si sviluppò tra il 1510 e il 1520 o a Firenze, o a Roma, o in entrambe le città contemporaneamente.
Origini e modelli di ruolo
Questo periodo è stato descritto come una “naturale estensione” dell’arte di Andrea del Sarto, Michelangelo e Raffaello. Michelangelo sviluppò in tenera età un proprio stile, profondamente originale, dapprima molto ammirato, poi spesso copiato e imitato da altri artisti dell’epoca. Una delle qualità più ammirate dai suoi contemporanei era un senso di maestosa grandezza, e gli artisti successivi tentarono di imitarla. Altri artisti appresero lo stile appassionato e personalissimo di Michelangelo copiando le opere del maestro, un modo con cui gli studenti imparavano a dipingere e scolpire. Il soffitto della Cappella Sistina fornì loro esempi da seguire, in particolare la rappresentazione di figure raccolte spesso dette ignudi e della Sibilla libica, il suo vestibolo alla Biblioteca Laurenziana, le figure sulle sue tombe medicee, e soprattutto il suo Giudizio Universale. Il successivo Michelangelo fu uno dei grandi modelli del Manierismo. Giovani artisti fecero irruzione in casa sua e gli rubarono dei disegni. Nel suo libro Vite de’ più eminenti pittori, scultori e architetti, Giorgio Vasari annotava che Michelangelo affermò una volta: “Quelli che sono seguaci non possono mai passare da chi seguono”.
Il primo manierismo
I primi manieristi fiorentini, in particolare gli studenti di Andrea del Sarto come Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, si distinguono per le forme allungate, le pose in equilibrio precario, la prospettiva, le ambientazioni irrazionali e l’illuminazione teatrale. Parmigianino e Giulio Romano si muovevano in direzioni estetiche similmente stilizzate a Roma. Questi artisti erano maturati sotto l’influenza dell’Alto Rinascimento e il loro stile è stato caratterizzato come una reazione o un’estensione esagerata ad esso. Invece di studiare direttamente la natura, gli artisti più giovani iniziarono a studiare scultura ellenistica e dipinti di maestri del passato. Pertanto, questo stile è spesso identificato come “anticlassico”, eppure all’epoca era considerato una naturale evoluzione dell’Alto Rinascimento. La prima fase sperimentale del Manierismo, nota per le sue forme “anti-classiche”, durò fino al 1540 o 1550 circa. Marcia B. Hall, professoressa di storia dell’arte alla Temple University, annota nel suo libro After Raphael che la morte prematura di Raffaello segnò l’inizio del Manierismo a Roma.
In analisi passate, è stato notato che il manierismo sorse all’inizio del XVI secolo contemporaneamente a una serie di altri movimenti sociali, scientifici, religiosi e politici come l’eliocentrismo copernicano, il sacco di Roma del 1527 e la crescente Riforma protestante che sfida il potere della Chiesa cattolica. Per questo motivo, le forme allungate e distorte dello stile erano una volta interpretate come una reazione alle composizioni idealizzate prevalenti nell’arte dell’alto rinascimento.
Alta maniera
Il secondo periodo del Manierismo è comunemente differenziato dalla precedente fase cosiddetta “anticlassica”. I successivi manieristi hanno sottolineato le presunzioni intellettuali e il virtuosismo artistico, caratteristiche che hanno portato i critici ad accusarli di lavorare in un “modo” innaturale e affettato. Gli artisti di Maniera guardavano al loro Michelangelo contemporaneo più anziano come il loro modello principale, la loro era un’arte che imitava l’arte, piuttosto che un’arte che imitava la natura. Lo storico dell’arte Sydney Joseph Freedberg sostiene che l’aspetto intellettualizzante dell’arte della maniera implica aspettarsi che il suo pubblico noti e apprezzi questo riferimento visivo, una figura familiare in un ambiente sconosciuto racchiuso tra “virgolette invisibili, ma sentite”. Il colmo dell’artificio è la propensione del pittore di Maniera ad appropriarsi deliberatamente indebitamente di una citazione. Agnolo Bronzino e Giorgio Vasari esemplificano questo ceppo di Maniera che durò dal 1530 al 1580 circa. Basata principalmente nelle corti e nei circoli intellettuali di tutta Europa, l’arte di Maniera unisce l’eleganza esagerata con una squisita attenzione alla superficie e ai dettagli: le figure dalla pelle di porcellana si adagiano in una luce uniforme e temperata, riconoscendo lo spettatore con uno sguardo freddo, se riesce a stabilire un contatto visivo. Il soggetto raramente mostra molta emozione, e per questo motivo le opere che esemplificano questa tendenza sono spesso chiamate “fredde” o “distaccate”.
La scultura manierista
Come nella pittura, la prima scultura manierista italiana era in gran parte un tentativo di trovare uno stile originale che avrebbe superato il successo dell’Alto Rinascimento, che in scultura significava essenzialmente Michelangelo, e gran parte della lotta per raggiungere questo obiettivo si è svolta in commissioni per riempire altri luoghi in Piazza della Signoria a Firenze, accanto al David di Michelangelo. Baccio Bandinelli subentrò allo stesso maestro nel progetto di Ercole e Caco, ma allora era poco più popolare di quanto non lo sia oggi, e maliziosamente paragonato da Benvenuto Cellini a “un sacco di meloni”.
Come altre sue opere e di altri manieristi, rimuove molto più del blocco originale di quanto avrebbe fatto Michelangelo. Il Perseo in bronzo di Cellini con la testa di Medusa è certamente un capolavoro, disegnato con otto angoli di visuale, altra caratteristica manierista, e stilizzato artificialmente rispetto ai David di Michelangelo e Donatello. Originariamente un orafo, la sua famosa Cantina del sale in oro e smalti (1543) fu la sua prima scultura e mostra al meglio il suo talento.
Piccole figure in bronzo per armadietti da collezione, spesso soggetti mitologici con nudi, erano una forma popolare rinascimentale in cui Giambologna, originariamente fiammingo ma residente a Firenze, eccelleva nella seconda parte del secolo. Realizzò anche sculture a grandezza naturale, di cui due entrarono nella collezione in Piazza della Signoria. Lui e i suoi seguaci idearono eleganti esempi allungati della figura serpentinata, spesso di due figure intrecciate, che erano interessanti da tutti gli angoli.
Il manierismo ha mantenuto un alto livello di popolarità internazionale fino ai dipinti di Annibale Carracci e di Caravaggio intorno al 1600 e posero fine allo stile e inaugurarono il barocco. Il manierismo fu per molto tempo disprezzato come uno stile decadente e anarchico che segnò semplicemente una degenerazione della produzione artistica dell’Alto Rinascimento. Ma nel XX secolo lo stile è tornato ad essere apprezzato per la sua tecnica, eleganza e raffinatezza. L’intensità spirituale del manierismo, il suo estetismo complesso e intellettuale, la sua sperimentazione nella forma e la persistente ansia psicologica in esso manifestata rendevano lo stile attraente e interessante per il temperamento moderno, che vedeva affinità tra esso e le tendenze espressioniste moderne nell’arte.
